La artista visual pasó por Punto de Vista para dar detalles de su muestra "Me Declaro Paisaje", que se inaugurará este viernes, desde las 19.30, en el Centro Cultural Necochea - Biblioteca Andrés Ferreyra.Escuchá la nota completa:

Gabriel Traversini, presidente del Centro Cultural Necochea dialogó con Punto de Vista sobre la renovación de autoridades de la organización.Escuchá la nota completa:

En Desde temprano recibimos a Guadi Peralta, una de las voces destacadas de Necochea, que está cumpliendo el sueño de participar en Bienvenidos a ganar, el certamen musical de Canal 9. Tras superar la primera ronda, fue convocada a un repechaje y se prepara para volver a Buenos Aires. En una charla llena de emoción, nos contó su experiencia y agradeció la solidaridad de la comunidad de Necochea y Quequén, que la acompaña para seguir haciendo realidad su sueño de cantar.Escuchá la nota completa en el siguiente link:

Este miércoles, a las 11, se realizará la inauguración del mural “Pintando la paz”, una obra colectiva surgida del encuentro entre el arte, la educación y la comunidad.

Debido al mal tiempo, el acto tendrá lugar en el Aula Magna de la sede Quequén de la Universidad Nacional del Centro (Unicen), ubicada en calle 508 entre 521 y 517.

La propuesta busca expresar la paz como una construcción cotidiana, que va más allá de la ausencia de violencia e invita a escuchar, acompañar y resolver los conflictos a través del diálogo.

La convocatoria está dirigida a estudiantes, docentes y artistas que participaron en la creación del mural, así como a la comunidad en general, para compartir este momento colectivo.

La iniciativa se enmarca en el trabajo de la Cátedra Abierta de Educación para la Paz “Alfredo Marcenac”, que promueve la prevención de la violencia y la construcción de una convivencia basada en el respeto.///

La Escuela Municipal de Artes de Necochea prepara la primera Fiesta de la Cultura, que incluirá la entrega de los premios Ramal a artistas, espacios culturales y colectivos de la ciudad. La ceremonia será el viernes 16 de octubre, a las 20.30, en WO Espacio Cultural.

Durante una entrevista en el programa “Punto de Vista” de Ecos Radio, Sebastián Serqueira, director del Centro Cultural Municipal, explicó que la iniciativa surgió a partir de una investigación sobre la historia de la institución y antiguas celebraciones vinculadas al arte local.

“La idea surge de hace muchísimos años. Una vez estaba mirando diarios en la biblioteca y haciendo una especie de racconto de lo que era la Escuela Municipal de Artes, que surge en el año 43”, contó.

En ese recorrido, Serqueira encontró registros de una Fiesta de la Cultura que se realizaba durante la década del 70 y estaba vinculada principalmente al teatro. A partir de ese antecedente comenzó a pensar en una propuesta que reuniera a distintas disciplinas.

“Me pareció como que estaba muy bien tener un espacio de encuentro para nosotros, con el laburo que venimos haciendo hace muchísimos años”, señaló.

Los reconocimientos

Este año se entregarán aproximadamente 30 premios Ramal, orientados principalmente a reconocer trayectorias en cinco grandes disciplinas: música, teatro, danza, artes visuales y literatura. También habrá reconocimientos para espacios culturales y colectivos artísticos.

El nombre “Ramal” surgió a partir de un concepto trabajado dentro de la institución y vinculado con la historia ferroviaria de la ciudad. La denominación también fue utilizada para otros proyectos de la Escuela Municipal de Artes.

Entre los reconocidos, Serqueira mencionó a Arnaldo “Nano” Benzal, en teatro; Nicasio Díaz Llanos, en artes visuales; Óscar Muttio, en música; y Litio, como artista emergente.

La selección estuvo a cargo de docentes de las distintas disciplinas y de una búsqueda junto a personas vinculadas a cada área. “También esto nos sirvió para hacer una especie de catálogo de arte de lo que fue la ciudad y la verdad que somos un montón”, explicó.

Registro abierto

Con el objetivo de ampliar el registro y garantizar que ningún artista quede afuera de la convocatoria, la organización habilitó la cuenta de Instagram @Ramal. Allí, músicos, actores, bailarines, escritores, artistas plásticos y gestores culturales podrán registrarse y dar a conocer su trabajo.

La entrada tendrá un bono contribución de $3000 o $5000, destinado a colaborar con la institución. Además, Serqueira anticipó que el próximo año habrá un formulario para recibir postulaciones y continuar con la entrega de los premios Ramal.

Andrés Rodríguez, integrante del Fotoclub Necochea, pasó por Punto de Vista para hablar sobre la muestra "20 años - Infinitas Miradas", por el 145º Aniversario de fundación de Necochea, que tendrá lugar este 2 de octubre en el Centro Cultural Necochea - Biblioteca Andrés Ferreyra.Escuchá la nota completa:

El director del Centro Cultural de Necochea y Biblioteca Popular “Andrés Ferreyra”, Alberto Franco, pasó por el programa “Punto de Vista” de Ecos Radio y brindó detalles de la convocatoria al 45° Salón Anual de Arte “Ángel I. Murga”, que se realiza en el marco del aniversario de la ciudad. Las obras se reciben hasta el 30 de septiembre.

La propuesta está destinada a artistas a partir de los 16 años y contempla dibujo, pintura, grabado, escultura y fotografía. Según explicó Franco, se trata de una exposición sin carácter competitivo.

“El Salón Murga tiene características muy especiales. Es un salón que no tiene ni jurado ni premios, es muy abierto”, señaló. Y agregó: “Es una exposición, no es una competencia, es un momento de encuentro”.

Requisitos

La convocatoria reúne tanto a artistas reconocidos como a personas que participan por primera vez. “Participan artistas con trayectoria, que tienen muchos premios ganados a nivel provincial y nacional, a quienes les agradecemos siempre que se sumen y colaboren, y gente que lleva su obra por primera vez”, explicó.

Entre los requisitos, las obras deben haber sido realizadas durante los últimos dos años y cada participante puede presentar una obra. Además, deben tener una medida máxima de 1,10 metros y contar con un sistema de montaje. En el caso de dibujos, grabados o fotografías, deben estar protegidos con vidrio o acrílico.

“Es un poco un panorama de la plástica local muy variado, abierto y permite eso, esa participación”, sostuvo Franco.

Las obras se reciben hasta el miércoles 30 de septiembre, de 14 a 20, en el Centro Cultural de Necochea. La inscripción es gratuita para los socios de la institución, mientras que quienes no sean socios deben abonar 10.000 pesos.

La inauguración

La exposición será inaugurada el sábado 3 de octubre en la Sala Pedro Arozarena del Centro Cultural. Franco indicó que se prevé recibir alrededor de 120 obras, una cantidad que responde a la capacidad del espacio. La propuesta comenzó en 1981, con motivo del centenario de Necochea, y en sus primeras ediciones llegó a reunir cerca de 200 obras.

Durante la entrevista, el director también contó que desde el Centro Cultural buscan avanzar en un registro fotográfico y audiovisual de los artistas y las actividades que se realizan en la institución.

Para consultas sobre el reglamento, las condiciones de participación o la inscripción, se puede contactar al Centro Cultural de Necochea por WhatsApp al 2262 37-3929 o mediante el correo electrónico centroculturalnecochea@gmail.com.

El bailarín de folklore pasó por Ecos Agro para repasar su historia en la danza tradicional argentina.Escuchá la nota completa:

La Feria del Libro y de las Artes de Necochea comenzará este jueves y se extenderá hasta el sábado con presentaciones de libros, mesas de escritores y actividades para estudiantes y lectores. En su edición número 25, el encuentro estará dedicado a Jorge Luis Borges.

Durante una entrevista en el programa “Punto de Vista” de Ecos Radio, Cristina Murray, una de las organizadoras, dio detalles de la propuesta, que tendrá como sede la Fundación Educacional de la Usina Popular Cooperativa.

La apertura será este jueves a las 19.30 con el acto inaugural, la presentación del Coral Quimey y una lectura dialogada de textos de Borges.

Actividades

El viernes, desde las 14, se presentarán libros realizados por alumnos en las escuelas. “Son libros gestados en las aulas”, explicó Murray, quien señaló que la propuesta fue ampliada en esta edición.

También habrá una mesa de escritores locales y, a las 18.30, Guillermo Colantonio presentará una actividad sobre Borges, la literatura y el cine.

El sábado se desarrollarán mesas de autores de Mar del Plata y Necochea. Además, estudiantes del Profesorado de Lengua, coordinados por Florencia Raffaghelli, abordarán cómo y por qué leer a Borges en el aula.

La jornada incluirá la presentación de “La huella de sangre de Francisca Rojas”, de Cecilia Secreto, y de “Voz de mujer. Silencio de la historia”, de Ana María Cabrera, una novela sobre el crimen de Felicitas Guerrero.

Durante las tres jornadas habrá stands de libreros y editores independientes en el hall de la Fundación Educacional, además de propuestas vinculadas a juegos infantiles y de mesa.

Una historia de 25 años

Murray recordó los comienzos de la feria y contó que el objetivo inicial era completar los tres días previstos. “Cuando planificamos la primera edición, lo que queríamos era llegar al tercer día que habíamos propuesto y ya con eso nos considerábamos plenamente satisfechas”, señaló.

Con el paso de las ediciones, la organización sumó apoyo de comerciantes, empresarios y luego del municipio. “Nunca nos imaginamos que íbamos a llegar a cumplir 25 años”, afirmó.

Sobre la lectura, Murray destacó el crecimiento de los escritores locales y de los clubes de lectura, además del trabajo en las escuelas. “Se está volviendo al libro y al placer de escribir”, sostuvo.

La Feria del Libro de Necochea 2026 estará dedicada a Borges por los 40 años de su fallecimiento. Según Murray, la intención fue abordar su figura desde distintas perspectivas, “desde la mirada didáctica y lúdica”.

La Feria del Libro y de las Artes se realizará del jueves 17 al sábado 19 de septiembre, con actividades por la tarde y entrada libre.

Durante una entrevista en el programa “Lo dije o lo pensé” de Ecos Radio, La Dro, cantante, compositor y productor de Necochea, presentó su nueva columna “Diario de un artista”, un espacio en el que cada viernes abordará distintas cuestiones vinculadas con el arte y quienes lo producen. En su debut, tomó como punto de partida su regreso a los escenarios después de atravesar un problema de salud y permanecer dos años sin tocar con su banda.

“Tuve una situación de salud, casi me muero el año pasado”, expresó La Dro. En ese sentido, contó que la semana anterior había vuelto a tocar con su banda después de dos años: “Fue tremendo, muchas emociones, porque hacía dos años que no tocaba. Volví a tocar con mi banda y esto, es volver a estar vivo”.

A partir de esa experiencia, planteó una pregunta sobre qué significa ser artista y cuál es su función frente a quienes reciben su obra. “Un artista es quien se hace cargo de que hay algo adentro de uno deseoso de salir y hace algo con eso”, sostuvo.

El arte como expresión

La Dro vinculó la creación artística con aquello que necesita ser expresado y retomó una idea de Jacques Lacan sobre el vínculo entre el arte y el vacío.

“El arte giraba alrededor de un vacío. No en cuanto a nada, sino en cuanto a algo que es imposible de colmar, sea una pérdida, una falta”, explicó. Y agregó: “No para suplirla, sino para bordearla”.

También destacó que una obra no necesita ser explicada por completo para generar una reacción en quien la recibe. “Si vos sobre-explicás la obra, la matás”, afirmó, al referirse a las emociones que pueden surgir frente a una canción, una película o un libro y que no siempre pueden racionalizarse.

Una responsabilidad

Durante la charla también se refirió a la relación entre la creación y el dolor. Consideró que muchas obras surgen de experiencias como pérdidas o duelos porque existe una necesidad de transformar aquello que se siente.

En ese punto, puso el foco en el vínculo entre el artista y su público. “Un artista tiene que ser completamente responsable de su rol y saber que hay gente escuchándolo”, sostuvo.

Para La Dro, el artista puede ocupar un lugar de canal para otras personas, independientemente de la cantidad de público que tenga. “Sean dos personas, una o millones, tenés gente que te está escuchando para ser canal para algo”, señaló.

El Centro Cultural fue sede de la inauguración de "Huellas y registros del sur bonaerense", una destacada propuesta artística colectiva e itinerante centrada en el lenguaje del grabado, que arribó a la ciudad como parte de un recorrido más amplio por diferentes municipios del interior provincial.

La apertura formal del encuentro tuvo lugar en la sede ubicada sobre la calle 54 N° 3062, en el edificio de la Biblioteca Popular Andrés Ferreyra. Durante la jornada, el público asistente tuvo la oportunidad de dar inicio al recorrido por una selección de obras orientadas a recuperar y poner en valor la memoria histórica, la identidad regional y las huellas culturales arraigadas en el territorio.

Una publicación compartida de Ecos Diarios Necochea (@ecosdiarios)

La exposición ofreció un espacio de encuentro y visibilización para los artistas de la zona, quienes utilizaron el grabado para registrar la memoria, la identidad y los paisajes sociales del sudeste provincial.

Un eje central de la propuesta radicó en la diversidad de orígenes de sus participantes, entre las que figuraron Ana María Gelso, Andrea Misson y Laura Chicopar (Tandil); Andrea Bibbó y Virginia Gonzalez (Balcarce); Graciela Furfaro, Norma Duciak y Paola Erdocia (Mar del Plata); y Olga Chaves (Ayacucho), destacada por su labor en la gestión del proyecto.

Asimismo, la muestra resaltó por su carácter itinerante. Tras recorrer diversas instituciones del interior bonaerense, su llegada a Necochea permitió continuar promoviendo el intercambio cultural y la circulación del arte regional.

La voz de su gestora

Ecos Diarios dialogó con Olga Chaves, artista oriunda de Ayacucho pero radicada en Mar del Plata, quien impulsó la iniciativa y brindó detalles sobre la concepción del proyecto. "Empezó como un proyecto que buscaba reflejar el aporte de los grabadores a la historia; ver a los grabadores como quienes registran aspectos de su tiempo y de su comunidad, y que en algún momento fueron muy útiles como fuentes para quienes elaboran los relatos históricos. Esa era la idea de base", detalló la expositora.

En relación con las temáticas y la búsqueda artística, Chaves destacó la libertad dada a cada participante para plasmar su visión del territorio: "La consigna era que no importaba la técnica que se utilizara, sino que el motivo de representación fuese algún elemento significativo de la ciudad o de su zona de influencia. En eso hubo gran libertad para que los grabadores eligieran su objeto de representación".

Por último, al referirse a su trabajo personal expuesto en la sala, explicó el vínculo afectivo con su obra: "En este caso estoy representando también a Ayacucho, que es mi ciudad natal. Para ello elegí lo más significativo del lugar, que es su iglesia".Las obras permanecerán exhibidas durante un mes en las instalaciones del Centro Cultural Necochea, por lo que la comunidad y los visitantes podrán acercarse a recorrer la muestra de lunes a viernes en el horario de 14 a 20. ///

Ana Stjerne, directora y fundadora de Valkgallery, lidera este proyecto desde su mirada de diseñadora. Se formó en la UBA y esa base es la que le dio su mirada proyectual: la costumbre de pensar cada muestra, cada espacio y cada vínculo con un artista no como un hecho aislado, sino como parte de un proyecto mayor, con estructura y sentido de conjunto. Esa mirada, formada entre el diseño y el arte, es la que terminó de darle identidad a la galería: un espacio donde el arte contemporáneo y el diseño conviven, como conviven las cosas en una casa, en un lugar que se habita todos los días. Fue pionera en Latinoamérica en el uso de blockchain y la tokenización de arte, dos frentes que sostiene en paralelo a la gestión de la galería.

Gestiona la propuesta de Valkgallery junto a Raúl Edén y lo que lo sostiene no es una fórmula de negocios: es una amistad de trabajo de veinte años. Vienen del estudio de diseño homónimo, donde aprendieron a mirar el arte y el diseño como dos lenguajes que se necesitan mutuamente. Esa manera de trabajar en equipo ,escuchándose, discutiendo, confiando el uno en el otro, es la que trasladaron después a Valkgallery, y es, sin exagerar, la razón por la que siguen de pie diez años después.

Porque en Valkgallery el equipo no termina en la dirección: se extiende a cada artista que forma parte del proyecto. La galería entiende su trabajo como un todo colaborativo, donde los artistas no son solo nombres en una pared sino parte activa de un mismo camino. Nadie se salva solo, y una galería, proponen Ana y Raúl, no es solamente un espacio exhibitorio: es también acompañamiento, es sostener el crecimiento de cada artista a largo plazo, es mentoría. Apoyar, producir, insistir, celebrar los logros ajenos como propios. Esa filosofía es la que explica que Valkgallery represente hoy a cerca de treinta artistas y que, diez años después, muchos de aquellos primeros vínculos sigan intactos.

Esa misma vocación de estar presentes es la que llevó a la galería a construir una trayectoria constante en ferias: participó de las ediciones de Arte Pequeño Formato, la feria que se desarrolla en Ciudad de Buenos Aires, MAPA, JustMad en Madrid, además de un marketplace propio en marketplace.valkgallery.com que extiende ese trabajo al plano digital.

Y en este aniversario, la galería encara su tercera mudanza. Se van al centro, al anexo del Palacio Paz que es un espacio con una carga histórica y arquitectónica enorme, que los exige y los entusiasma en partes iguales.

La expansión, además, no se queda en Buenos Aires. Valkgallery también tiene sede en Madrid, en Carabanchel, el barrio que en los últimos años se transformó en uno de los polos artísticos más comentados de la ciudad. Lo que durante décadas fue un barrio obrero, de imprentas y talleres, hoy reúne salas expositivas, estudios de artista y plataformas creativas pensadas como ecosistemas multidisciplinares, en un proceso que no respondió a una planificación urbanística sino a un movimiento orgánico: primero llegaron los estudios, después los colectivos, y finalmente las galerías, hasta consolidar un circuito propio que ya reúne a más de una decena de espacios en la zona. En ese contexto se inscribe también Minka, el proyecto cooperativo que Valkgallery impulsa junto a otras tres galerías para sostener un espacio expositivo permanente dedicado al arte latinoamericano en Madrid, una apuesta que profundiza esa misma lógica de trabajo colectivo, ahora también a escala internacional.

La muestra que inaugura esta nueva etapa en Buenos Aires es de Natalia Biasioli, con texto curatorial de María Pichot, en el sector de arte contemporáneo de la galería. En paralelo, el sector de diseño, que para ellos es tan protagonista como el arte, está curado por la arquitecta e interiorista Paula Herrero, con muebles de Espina Corona y fotografías de Sergio Castiglione.

Diez años, tres mudanzas, dos países, un equipo que no se rompió en dos décadas y que incluye siempre a los artistas. Valkgallery arranca su segunda década ahí donde siempre estuvo cómoda: en el cruce entre el arte y el diseño, hecho entre varios… con muchas manos en el plato, haciendo bellos garabatos.

The Beatles publicó el 5 de agosto de 1966 “Revolver”, un álbum que marcó un punto de quiebre en la carrera de la banda británica y en la evolución de la música popular. A seis décadas de su lanzamiento, el disco continúa siendo analizado por su incorporación de nuevas técnicas de grabación, sonidos experimentales y una búsqueda artística que modificó la manera de entender un álbum.

Durante una entrevista en el programa “Lo dije o lo pensé” de Ecos Radio, el periodista y escritor Walter Medina repasó la historia de la producción y explicó que “muchos consideran a ‘Revolver’ uno de los álbumes fundamentales de la historia del rock”.

El disco llegó en un contexto de cambios para la banda. Luego de años de giras y del fenómeno conocido como “beatlemanía”, los músicos comenzaron a concentrarse en el trabajo de estudio y dejaron atrás la etapa marcada por las presentaciones en vivo. “Este disco produce un quiebre definitivo en la carrera de los Beatles, que continuaría hasta 1970, año en que la banda se separó, el 10 de abril”, señaló Medina.

La búsqueda de nuevos sonidos

El álbum incluyó canciones como “Taxman”, “Eleanor Rigby”, “Tomorrow Never Knows” y “Yellow Submarine”, además de recursos técnicos que hasta ese momento no eran habituales en la música popular. Sobre ese proceso, el periodista explicó: “En cuanto a la sonoridad, este disco es completamente diferente; es un compendio sonoro distinto al que estábamos acostumbrados hasta ese momento”.

Uno de los elementos destacados fue la experimentación musical con nuevas herramientas de grabación y la incorporación de influencias de otras culturas. “Ahí comenzó una etapa más experimental de la banda. Empezaron a utilizar recursos como la grabación de cintas al revés”, indicó Medina, quien también mencionó la influencia de la música india a través de George Harrison y el aprendizaje del sitar junto al músico Ravi Shankar.

Una época de cambios y controversias

El lanzamiento de “Revolver” estuvo atravesado además por la polémica generada por una frase de John Lennon, quien había declarado meses antes que los Beatles eran “más populares que Jesucristo”. Según repasó Medina, la reacción en algunos sectores provocó “la persecución, la quema de discos y las amenazas de muerte”, especialmente en Estados Unidos y otros países.

La portada de “Revolver”, diseñada por Klaus Voormann, amigo de la banda desde la época de Hamburgo, fue otro de los aspectos destacados. El diseño combinó dibujos en blanco y negro con fotografías de los integrantes y recibió un premio Grammy por su trabajo artístico.

A seis décadas de su publicación, “Revolver” de The Beatles sigue ocupando un lugar central en la historia de la música. “Es un álbum que sigue vigente y que se continúa vendiendo como pan caliente”, resumió Walter Medina.

Jimena Gaido llevará adelante una nueva edición de “Una foto por un juguete”, una propuesta solidaria que busca reunir juguetes para donar a un merendero a cambio de una fotografía profesional. La iniciativa se desarrollará este domingo 9 de agosto en el marco de la feria de diseño “De Feria”, que tendrá lugar en el Hotel Milesi, ubicado en calle 79 entre 8 y 10.

Durante una entrevista en el programa “Lo dije o lo pensé” de Ecos Radio, Gaido explicó que la propuesta consiste en “juntar juguetes para donar, en este caso para el merendero Frutillita”, y que como intercambio realizará una fotografía profesional para quienes se acerquen a colaborar.

“Si se juntan un montón de juguetes, que ojalá que sea así, podamos sumar a otros lugares”, señaló la fotógrafa, quien destacó que la imagen entregada como parte de la iniciativa puede ser utilizada por las familias “para lo que quieran”.

Una iniciativa con nueve años de trayectoria

La jornada se realizará entre las 14 y las 19, mientras que el espacio específico de “Una foto por un juguete” funcionará de 16 a 18. De todos modos, Gaido aclaró que quienes se acerquen durante toda la feria podrán colaborar llevando un juguete nuevo o en buen estado.

“La foto es una excusa”, sostuvo la fotógrafa, y remarcó la importancia de que los juguetes estén en condiciones para ser recibidos por otros niños. “Siempre pensando en el niño que lo va a recibir, que sea un juguete en buenas condiciones, sin roturas ni manchas y que realmente pueda ser utilizado”, explicó.

La fotografía como herramienta solidaria

Consultada sobre el motivo que la impulsa a realizar esta propuesta, Gaido vinculó la iniciativa con su trabajo cotidiano. “Me dedico más que nada a la fotografía infantil y de familia, entonces estoy en constante trato con los chicos y entiendo que no todos tienen la posibilidad de recibir un regalo en estas fechas especiales”, afirmó.

En ese sentido, contó que buscó aportar desde su lugar profesional. “No tengo una fábrica de juguetes, ojalá tuviera, y lo único que tengo es lo que más me gusta hacer y lo que mejor me sale”, expresó.

Además, destacó el valor de involucrar a los más chicos en la acción solidaria. “Todos los chicos que ya comprenden la iniciativa saben que van a colaborar con otro niño. Antes de acercarse, suelen seleccionar los juguetes que ya no utilizan y conocen el destino que tendrán”, explicó.

La iniciativa se desarrollará dentro de la feria “De Feria”, un encuentro de emprendimientos artesanales que reunirá a cerca de 40 emprendedores locales. “Además de donar y pasear, pueden aprovechar a comprar a emprendedores locales”, indicó Gaido.

El tango puede ser mucho más que un género musical. También puede convertirse en una puerta para entender la cultura popular, las palabras que usamos a diario y la manera en que las personas enfrentan la incertidumbre. Esa fue la propuesta de Manuel Núñez, quien debutó en Ecos Radio con "Aclarame los tangos", una columna que buscará desentrañar historias, expresiones y personajes ligados al universo tanguero.

En esta primera entrega, el músico y artista necochense eligió un tema muy presente en tiempos de definiciones deportivas: las cábalas, la suerte y las supersticiones. Desde allí fue enlazando conceptos de la psicología, el lenguaje y la cultura popular para explicar por qué las personas recurren a determinados rituales cuando sienten que el resultado escapa de su control.

"Como seres humanos tenemos la necesidad de estructurar límites. Necesitamos control dentro del caos", explicó. Bajo esa premisa definió a las cábalas como una forma de relacionarse con aquello que no puede manejarse. "Son una manera de conversar con el azar", afirmó, y agregó que, aunque no modifican el resultado de los acontecimientos, sí ayudan a disminuir la ansiedad y aportan tranquilidad.

A partir de esa idea, Núñez recorrió el origen de varias palabras que forman parte del lenguaje cotidiano. Explicó que "yeta" deriva del italiano iettatore, término asociado a quien transmite mala suerte. En cambio, la "mufa" está vinculada a una energía negativa que puede contagiarse, mientras que "gualicho" proviene de las creencias de origen mapuche. "Todo eso entra en este vocabulario criollo que termina juntando una superstición napolitana con una palabra de origen mapuche", señaló.

Sin embargo, el eje de la columna estuvo puesto en la mirada que propone el tango frente a la incertidumbre. Allí estableció una diferencia que sintetizó buena parte de la charla: "La cábala intenta controlar y el tango intenta comprender".

Para Núñez, las grandes letras del género, especialmente las de Enrique Santos Discépolo, no buscan evitar las derrotas ni prometer finales felices. Por el contrario, ayudan a aceptar que la vida está atravesada por pérdidas, cambios y frustraciones. "El tango admite que las cosas pueden fallar y no intenta controlar eso. Intenta contarnos cómo vivirlo con dignidad", reflexionó.

Lejos de considerarlo un género del pasado, sostuvo que el tango mantiene plena vigencia precisamente porque continúa dialogando con los conflictos humanos. "El tango sigue vigente porque nos escucha, hace preguntas y brinda herramientas para avanzar sobre la condición humana", concluyó, dejando abierta una columna que promete seguir tendiendo puentes entre la música, el lenguaje y la vida cotidiana.///

Más de una década después de convertirse en uno de los memes más recordados de internet, Juan Sánchez, el chico de la célebre frase "Me gusta el arte", finalmente conoció al dibujante e historietista Liniers.

Fue el propio artista quien compartió el encuentro en sus redes sociales, acompañado por un mensaje que conmovió a miles de seguidores.

"Qué lindo encontrarnos anoche en Bahía Blanca con #JuanSánchez. Me puso en el mapa cuando tenía 11 años diciendo que le gustaba mi trabajo. Ayer me mostró sus dibujos y diseños: ¡Me gusta, Juan Sánchez!"

La publicación rápidamente se llenó de comentarios y reacciones de usuarios que recordaron el origen del viral y celebraron el reencuentro entre ambos.

Juan Sánchez alcanzó una inesperada popularidad cuando, siendo apenas un niño, fue entrevistado durante una muestra de arte y respondió con total naturalidad que le gustaba el trabajo de Liniers. Su espontaneidad y la frase "Me gusta el arte" se convirtieron en un fenómeno de internet que trascendió generaciones y sigue vigente en redes sociales.

En esta oportunidad, el encuentro tuvo lugar en Bahía Blanca y cerró un círculo que muchos usuarios calificaron como "histórico". Además de recordar aquel momento que lo hizo famoso, Juan aprovechó para mostrarle a Liniers sus propios dibujos y diseños, recibiendo una devolución que emocionó a quienes siguieron la historia desde sus comienzos.

El mensaje de Liniers también dejó en evidencia el cariño con el que recuerda aquel episodio que, sin proponérselo, ayudó a que una nueva generación conociera su obra. Ahora, años después, el reconocimiento fue en sentido inverso: el historietista elogió el trabajo del joven con una frase que ya quedó para el recuerdo: "Me gusta, Juan Sánchez".

¿Qué habría pasado si algunos de los grandes artistas de la historia se hubieran cruzado con Lionel Messi y hubieran decidido retratarlo? La pregunta, tan absurda como fascinante, es el punto de partida de una serie visual creada por la necochense Martina Varela (@artalert.cultura), que imagina al rosarino atravesado por seis lenguajes estéticos distintos.

El resultado es un ejercicio que mezcla fútbol y arte, dos territorios que rara vez comparten marco. Cada imagen toma la paleta, la textura y las búsquedas visuales que hicieron único a su autor, y las pone al servicio de un mismo rostro: el del futbolista más determinante de su generación.

En la versión inspirada en Gustav Klimt, Messi aparece envuelto en dorados y patrones ornamentales, con esa mezcla de lo sagrado y lo decorativo que definió al pintor vienés. La imagen que remite a Caravaggio, en cambio, lo sumerge en claroscuros dramáticos, con la luz recortando el gesto sobre un fondo de sombras, tal como el maestro barroco iluminaba a sus personajes.

La reinterpretación al estilo de Frida Kahlo aporta color, símbolos y una carga emotiva más íntima, mientras que la que evoca a Leonardo da Vinci apuesta por el detalle anatómico y la serenidad renacentista, como si el capitán posara para un retrato de otro siglo. No podía faltar Pablo Picasso, cuya versión descompone el rostro en planos y ángulos imposibles, fiel al espíritu del cubismo. Y para cerrar, Andy Warhol lleva a Messi al terreno del pop art: repetición, colores saturados y esa lógica de ícono producido en serie que el estadounidense aplicó a las grandes figuras del siglo XX.

Vale la aclaración: estas imágenes no son obras reales de los artistas mencionados, sino una reinterpretación contemporánea que imagina cómo podría verse Messi a través de los estilos que los volvieron inconfundibles. Un juego visual que, más allá de la técnica, confirma algo que el propio fútbol ya intuía: Messi, como toda obra de arte, admite infinitas lecturas.

Hay trabajos que obligan a detenerse unos minutos para entender lo que se está viendo. Eso ocurre con el impresionante mapa ilustrado de Necochea y Quequén realizado por Abraham Gómez Reátegui, un arquitecto e ilustrador cartográfico que convirtió a ambas ciudades en una obra de arte dibujada íntegramente a mano.

La imagen comenzó a tomar forma entre fines de marzo y principios de abril de este año y fue finalizada en junio, cuando el artista la compartió en sus redes sociales. El resultado es una pieza que asombra por la cantidad de detalles: calles, manzanas, edificios, espacios verdes y referencias urbanas aparecen representados con una precisión que parece imposible de lograr sin herramientas digitales. “Es un proceso de ida y vuelta el trabajo que hago, no es siempre dibujar sobre el papel y ya, debo investigar sobre el lugar y estar seguro que la información existente es suficiente para aplicarla en la técnica que uso”, dijo a Ecos Diarios.

"Nadie va a decir que no le puse voluntad al detalle", comentó el propio autor al presentar la obra.

Consultado en sus redes sobre por qué eligió Necochea y Quequén, Gómez Reátegui respondió con humor y sinceridad: "Soy un obsesivo". Su pasión consiste en dibujar ciudades de toda la Argentina, una tarea que combina arquitectura, cartografía e ilustración. “Nunca estuve en Necochea, me gustaría realmente estar, tengo amigos allá, me parece un lugar muy lindo después de todo, mi primer acercamiento a conocerlo fue el año pasado con un encargo por parte del consorcio Puerto Quequén que me solicitó una ilustración tipo infantil para un libro que hicieron para el día del niño”, dijo a Ecos Diarios cuando interiorizó en el tema.

El tiempo de realización, explica, depende de cada lugar. "Es relativo porque hay localidades más fáciles que otras. Quizá tardo 15 días dependiendo de las horas que invierta. Y usualmente me referencio con mapas satelitales", señaló.

Nacido en Lima, Perú, en 1993 y radicado en Buenos Aires, Abraham Gómez Reátegui es arquitecto egresado de la Universidad Nacional de La Plata y desde hace años desarrolla una carrera singular: crear mapas urbanos a mano alzada utilizando tinta china y acuarela.

Su técnica se basa en la perspectiva isométrica, un recurso que permite otorgar volumen a la ciudad y mostrarla desde un punto de vista poco habitual. Cada obra es realizada sin inteligencia artificial ni procesos automáticos. En el caso del mapa de Necochea y Quequén, el original fue elaborado con tinta china, acuarela y microfibra de 0.05 sobre papel acuarelable.

“Llevo trabajando en la ilustración cartográfica unos 5 años, tengo más de 50 trabajos realizados de distintas localidades del país y del exterior, siempre me pone muy contento la buena recepción de mis trabajos. Es muy lindo saber que hay gente que aprecia mucho sus localidades a partir de la cartografía”, contó.

El artista suele definirse como "arquitecto e ilustrador cartográfico con un extraño gusto por las ciudades". Esa fascinación lo llevó a producir más de treinta mapas urbanos de distintos puntos de Argentina y del mundo, trabajos que le valieron reconocimientos de organismos como la Municipalidad de La Plata, el Centro Argentino de Cartografía y la Legislatura bonaerense, además de exposiciones en espacios institucionales de relevancia.

La obra de Necochea y Quequén ya puede adquirirse en formato de reproducción a través de su tienda online. La impresión, de 35 por 50 centímetros sobre papel Fabriano Academia de 250 gramos, tiene un valor de 30.000 pesos.

En una época dominada por las imágenes generadas digitalmente, el trabajo de Gómez Reátegui recupera el valor de lo artesanal. Y su retrato de Necochea y Quequén es una prueba de ello: una ciudad sobre otra, miles de detalles entrelazados y horas de observación convertidas en una obra que invita a perderse buscando cada rincón conocido.

En una nueva edición de la columna “Mujeres que inspiran” de Ecos Radio, Marga Forte, referente cultural de Necochea, docente y directora durante años de la Escuela Provincial de Arte “Orillas del Quequén”, compartió su recorrido en la danza y el teatro, repasó la evolución de la formación artística local y reflexionó sobre el papel transformador del arte en la comunidad.

Forte contó que sus primeros intereses estuvieron vinculados a la danza, aunque comenzó a formarse de manera más sistemática durante la adolescencia. “De chica me gustaba bailar. Fue como lo único que tenía un poco claro que me gustaba”, recordó.

Los primeros pasos entre la danza y el teatro

Sus inicios estuvieron marcados por la participación en talleres y espacios culturales que existían en la ciudad cuando aún no había formación artística formal. A los 15 años comenzó a estudiar danza y, casi al mismo tiempo, teatro, una experiencia que le permitió conocer a referentes locales y comenzar un camino que luego desarrollaría durante décadas.

El crecimiento de la educación artística en Necochea

Durante la columna, destacó la importancia que tuvo para Necochea la creación de espacios de educación artística. Recordó que durante muchos años quienes querían estudiar arte debían trasladarse a otras ciudades y remarcó el impacto que tuvo la apertura de la Escuela Provincial de Arte Orillas del Quequén.

“Para Necochea fue sustancial que se constituyera esta escuela”, afirmó, al tiempo que repasó el crecimiento de la institución desde sus primeros años hasta la actualidad.

Forte también destacó el aporte que la escuela realizó a la comunidad a través de generaciones de egresados que hoy se desempeñan en distintos ámbitos educativos y culturales. “Todas las materias artísticas que se dan en los distintos niveles educativos tienen egresados nuestros. Para nosotros es un orgullo”, expresó.

El arte como herramienta de transformación

Al referirse al papel del arte en la vida cotidiana, sostuvo que su valor trasciende la formación profesional. “No estudiar arte para ser artista, sino para ser libres”, citó, al explicar que las disciplinas artísticas permiten ampliar miradas, desarrollar la creatividad y conocer otras formas de interpretar la realidad.

En ese sentido, señaló que el arte atraviesa distintas actividades y profesiones y celebró la creciente participación de personas de diferentes ámbitos en propuestas culturales de la ciudad. “Me conmueve cuando veo a profesionales de distintas áreas participando de muestras, bailando o haciendo música. Eso hace cuarenta años en Necochea no sucedía”, indicó.

Además, destacó el trabajo que realiza en la Asociación Civil Alfredo Marcenac junto a otros artistas en proyectos vinculados a la construcción de vínculos saludables y la promoción de la paz a través de expresiones corporales y artísticas.

Sobre el final, reflexionó acerca de los procesos colectivos y la importancia de sostener proyectos en el tiempo. “Los proyectos llevan tiempo. Lo importante es la continuidad para consolidarlos y que vayan tomando identidad”, afirmó.

Ya jubilada de la dirección de la Escuela Provincial de Arte Orillas del Quequén, Forte aseguró que observar el crecimiento de la institución y el recorrido de sus egresados representa una de las mayores satisfacciones de su carrera. “Confiar en los procesos es fundamental. El arte siempre ayuda, sostiene y acompaña”, expresó.

Hoy pasó por Desde Temprano Leonel Carli, el cantante necochense que viene teniendo grandes devoluciones en “Es mi sueño”, el programa de Canal 13. Después de su última presentación, contó cómo vivió el momento en el que emocionó a Abel Pintos y a todo el jurado interpretando “Piensa en mí”.Entre risas y mucha emoción, Leonel habló de los nervios que siente antes de salir al escenario, de lo difícil que es controlar las emociones al cantar y de todo el trabajo que hay detrás de cada canción. También recordó algunas de las devoluciones del jurado, especialmente la de Natalie Pérez, que le marcó detalles técnicos de su interpretación.Además, contó cómo es el proceso para elegir los temas que canta en el certamen y aseguró que, aunque le gusta lo melódico, también disfruta otros estilos musicales. Durante la charla agradeció especialmente el apoyo de Necochea, los mensajes que recibe todos los días y el cariño de la gente que lo acompaña desde acá.Escuchá la nota completa en el siguiente link: